本記事は19,20年の開催に引き続き今年も開催された楽曲オタクAdvent Calendar2021
adventar.org
への寄稿記事になります。楽曲オタ話カレンダー企画が知らぬ間に3年目を迎え、しかも自分が皆勤参加なのに驚きます。
2019年度
sai96i.hateblo.jp
2020年度
sai96i.hateblo.jp
とにかく自分の場合はお題を決めてから書き始めるまでに時間を使う(その分まとまったら一気に書き上げられる)ので最終日に登録したのでその分いい記事は書けると思いきや、大乱闘スマッシュ音楽オタ話みたいな記事が24本が投稿された後自分がトリを迎えると思うと非常に緊張を強いられ、結果全然手が動かないという始末です。そんな中今回も色々と語っていこうとは思います。
今回は当ブログ初の試みとしてTwitter のフォロワーさんのλさんのお力添えをいただきました。あ、ちなみにタイトルもλさんに考えていただきました。
twitter.com
これまで一人で色々な音楽について独善的に語ってきたのですが、別の視点・視野をもった人との合作をしたほうが、より面白い記事になるのではないかと思いご協力いただきました。
(また、別の方を招いての共作記事も現在進行中.今後は複数での共作もちょくちょく入れていく予定。)
λさんを選ばせていただいた理由としては、今回の題材を軸にした時に私のフォロワーの中では一番熱い文章を書いていただけると思ったからです。逆に今回の企画には他の人では絶対に務まらないという考えでもあったので、ご協力をいただけていなかったらこの記事は公開されていませんでした。あらためてここで感謝を申し上げます。
もう一つ、いつもと違う作りにしているという意味ではインタビュー記事系の引用は極力抑えています。というよりこれは本編前の事前知識として知って欲しいのでちょろっと書くと、菅野よう子 のインタビューってどれみても結局は「自分のいいと思う音を出しているだけ 」という一文で済ませれるほど自分のルーツを語らない人なので参考にならなかったというのもあります。
(まぁ作るもの聴けばある程度把握できるからそんなに困りはしないんですけど )
元々音楽の素養を生かした才能を幼少期から見出しており、数々のコンクールで優勝しているという点で最初からそういうタイプという認識だったので、そりゃこれだけの巨匠になるよなぁ〜と思うのが必然でしょう。
11歳の時に即興・自由曲部門で数名にしか与えられない川上賞を授与している
以下本編.
色々な方向に曲を出し(CM提供楽曲が500曲を超え※本人談では1000曲を超えているらしい）多すぎる傑作アニソンや、復興ソング「花は咲く」
などの代表作が普遍性を持ちながら愛され続け、影響を受ける作曲家が止まないという作曲家はそうそういません。恐らく、大雑把に言ってしまえば現在に至るまでのアニソン作家で菅野よう子 の薫陶を1ｍｍも受けていない人はまず存在しない。そして東京藝大という最高位の音大の作曲科で本格的に「作曲」というものを勉強し作曲家になった田中公平 (ウィーアーの作曲家)などをもってして「天才」と言わしめるその力量は本当に稀有なものです。
ameblo.jp
今やアニソン界だけでなく大河ドラマ 「おんな城主 直虎 」、朝ドラの音楽「ごちそうさん 」をも担当し、名実ともに日本を代表する音楽家 。
今回はそんなあまりにも大きい存在である菅野よう子 について今一度、振り返ってみるという趣旨の記事です。オールジャンルの曲でSクラスの楽曲を創り続ける菅野楽曲について素人なりに迫ってみようと思います。ですが、構成としては
・ベスト楽曲
これだけは絶対に抑えておきたいおすすめ楽曲群(名曲)を紹介
・菅野よう子 論
これまで発表されてきた名曲の数々より、アニメ音楽に焦点を合わせそれらの作品群を振り返り、魅力を紐解く&音源から考える菅野よう子 が影響を受けたであろうアーティスト/音楽群の解説
・坂本真綾 プロデュース時代の作品
アニソンではなく、ポップスソング曲に於ける菅野楽曲の「らしさ」と4枚のアルバム群についての存在意義について。
・名盤
ベスト楽曲と菅野よう子 論を踏まえた上で、「結論としてこのアルバムを聴いてほしい」という信念のもと選ばれた名盤を5枚ずつ紹介します。
全パートにλさん&rino パートのそれぞれ論評を入れています。また共作ということもあってどっちの評が面白いかなんていう楽しみ方もできます。楽しみ方は人それぞれ。それではまず、ベスト楽曲の紹介に入りましょう。
まずは作品を聞いていただくところから始めましょう。
選りすぐりをλさんパートから発表します。
λさん選ベスト楽曲評
1.「Wo qui non coin」
作品：COWBOY BEBOP 歌唱:多田葵 作詞：Gabriela Robin 作曲：菅野よう子
言わずと知れた代表作「COWBOY BEBOP 」よりこの曲をセレクトしました。 「COWBOY BEBOP 」は菅野よう子 作品の中でも特に知名度 も高く、音楽に普段触れない方でも「TANK！」は一度は聴いたことがあるのではないでしょうか。歌唱の多田葵 さんは作中に登場するエド 役の声優さんです。作中ではエド がビバップ 号から居なくなるときに、歌なしでごくわずか使用されていただけになります。「Wo qui non coin」という題名はハナモゲラ (初めて日本語を聞いた外国人の耳に聞こえる日本語の物真のこと)です。(※エド の声優さんが歌唱担当されており、エド の登場シーンで使用されていますが、エド が歌っている設定ではないと思われます。) 歌詞の始まりは「僕の子犬がいなくなった」とあり、タイトルも「Wo(ぼ) qui(く) non(の) coin(こいぬ)」と読むことが出来ます。選出理由としては、この切なさがとても美しいためです。チープなビートサウンド から始まりとても可愛らしいサウンド に思えますが、ボサノバの曲調を基調にやや無機質なフルートのような音色がどこか不安な気持ちを扇情します。そして、多田さんの優しい歌声が重なって、とても「美しい切なさ」が表現されていると思います。 メロディーの一部には一瞬、ブルーノート (歌詞の「ボクは乾いた涙で毎日暮らしている 早く帰ってきて」の「早く」の箇所、コードとメロディーがぶつかる箇所があまりにも気持ちがいい。天才的です…)が使われていたりと洒落っ気がこの曲の切なさのポイントにもなっています。よく聴くと右のスピーカーから犬のなつくような鳴き声が聴こえてきますので、是非聴いてみてください。トラック数の少なさが切なさを助長していますが、左から聴こえるフルートの音色のハーモニーの遷移だけ聴いても美しく、菅野よう子 らしさが感じられます。 因みに、2021年11月19日より新作の実写版「COWBOY BEBOP 」がNetflix で全世界独占配信開始していますので、こちらも是非。リニューアルした「TANK!」の他、新曲もたくさん聴くことが出来ます。Apple musicでは既にサントラも全曲フルサイズ聴くことも可能です。
2.「ZERO ゼロ」
作品：アクエリオンEVOL 歌 - AKINO from bless4 作詞 - 岩里祐穂 、Gabriela Robin / 作・編曲 - 菅野よう子
アクエリオン といえば、「創聖のアクエリオン 」、「創聖のアクエリオン 」といえば「菅野よう子 」と言われる程に、「創聖のアクエリオン 」は菅野よう子 作品の中でも超代表作になります。が、今回はそのアクエリオン シリーズのよりアクエリオンEVOL 26話(のみ！)に使用されたこの曲をセレクトしました。 個人的意見ですが、アクエリオン という世界観を一言で言えば、エロスを美しくかっこよく甘美に作り上げた作品だと思います。歌唱曲はどれも激しく、どこか挑発的だったり蠱惑的な歌詞が他の作品ではないアクエリオン ならではの最大の特長だと思います。その中でもこの「ZERO ゼロ」は、愛をシンプルに語った曲になります。4つ打ちで鳴り続けるバスドラム のキックはまさに高鳴る心臓の鼓動を象徴しています。アコギのコード引きの伸ばしのアタック感は愛について冒険する流離人 をどこか彷彿させるほどに美しいです。そして、なんと言ってもこの曲の美しさは、「速いビートの中で動くゆったりとする流れ」です。BPM =163のキックの4つ打ちをベースとしながらも、サビで3拍目に鳴るスネアや順次進行するストリングスがアクエリオン らしい生命の神秘の流れ(=愛)を表現しているように思います。 全音 符気味に鳴るコードの中で、タムやシンバルも激しく扇情的なドラムのフィルイン が躍動しており、この対立が他の楽曲にはなかなか見られないこの曲ならではの非常に美しいポイントだと思います。
3.「オープニング～群雄決起～」 作品：信長の野望 ・戦国群雄伝
1988年12月に発売された「光栄」のゲーム(現「コーエーテクモゲームス 」）のサントラより選出しました。 生オケで非常に豪華なサウンド 。なんと言ってもイントロでしょうか。 一気に広がる全オーケストラの響きは圧倒的に荘厳で、信長の野望 というタイトルやゲームのジャケットにぴったりです。スネアのビートは行進する軍隊を想起しますし、ホルンの音色が出撃の力強さを感じさせます。 1988年の古い作品ですが、全く色褪せません。因みに、続く「時の調べ」もとても優しく切ない曲で、そこから作り出される緩急もまた美しいです。更に続く「怨狼の牙」も是非聴いてください。
4.「Merry Christmas without You」
作品：マクロスF (フロンティア)
歌 - シェリル・ノーム starring May'n、ランカ・リー ＝中島愛 、frontier stars （アルト（中村悠一 ）、シェリ ル（遠藤綾 ）、ミシェル（神谷浩史 ）、クラン（豊口めぐみ ）、ボビー（三宅健太 ）、モニカ（田中理恵 ）、ラム（福原香織 ）） 作詞 - 山田稔明
こちらも超代表曲「ライオン」で知られるマクロスF (フロンティア) から1曲。アルバムcosmic cuune (コズミックキューン)に収録されています。 マクロスF は劇場版も複数あり、非常にアルバム数が多いですが、収録アルバム「cosmic cuune」はクリスマスをコンセプトにしたアルバムになっています。シンセドラムなどシンセサウンド で始まるイントロにクリスマスに欠かせないスレイベルのビート。クリスマスへの優しい高揚感を感じます。 チューブラーベル などパッドシンセなどクリスマスらしいサウンド も漏れなく入っていますが、全体的に生楽器ではなくシンセ系で支えられたサウンド に、後半はストリングスも加わり、クリスマスツリーに灯りが灯るように、壮大になっていきます。甘美なギターソロも聴き逃がせません。 本作品は、数あるマクロスF の曲の中でも、作中に登場する仲間たちも歌唱に登場するたった唯一の曲になります。どんどん転調する中で、各メンバーが登場し、最後にアルト(本作のヒーロー)が登場するのも重要な美しさのポイントです。更にクライマックスでは、メンバーが同じメロディーを重ねている姿はまさしく、同じひとつのクリスマスを祝福しているに違いありません。菅野よう子 はこの1曲を通して、関係者全員のこのマクロスF という作品への愛を表現しているのだと思います。私はそれほどにこの曲は特別で素敵な曲だと思います。最後に登場し、モーダルに変化していくキラキラなベルサウンド は歌詞と相まって未来を表現しているのではないでしょうか。 また、最新作-『劇場短編マクロスF ～時の迷宮～』でマクロスF の「今」を感じる事ができますのでこちらも、併せておすすめします(8分ほどに及ぶスペクタキュラーな一作です)。
5.「Ride On Technology」 作品：『攻殻機動隊 STAND ALONE COMPLEX 』
この曲なんと、アニメ作中で使われていません。いわば、菅野よう子 さんが攻殻機動隊 という世界観のなかで、作りたくて作った曲かもしれません。作中で使われていないにも関わらずあまりにもクールなため、映像のみの方は是非、サントラを聴いてみてください。 この曲は、なんと言っても最高に「クール」。この一言に尽きます。ドライなトランペット＋サックスと高まるビートから、Brecker Brothers の「Some Skunk Funk」を想起する方も多いでしょうか。
特にこの曲は、サウンド が素晴らしいです。イントロでは畝るような加工されたシンセベースサウンド が、無機質な感じを出しておりクールです。またずっとひたすらに刻まれるカッティングギターは最高にファンキーですし、佐野康夫 さんのドラムの展開やドラムソロもとても気持ちがいいです。本作品の特徴としましては、生ドラムとエレクトリックなドラムン ビートのハイブリッド。更によく聴くと、左右でエフェクト的に一部ビートが騒いでいるのも聴きどころです。 4分半の作品ですが、全体的にモーダルなサウンド をベースとしつつ、途中、リバーブ 多めのサウンド になり場面展開したり、中間からtpとsaxの超絶技巧ソロ、佐野康夫 さんに特徴的な終盤の盛り上がりに見られるライドなどが展開され、最後はベースが下降進行していくなど展開も含め、すべてがクールな作品になっています。
6.「Cloe」
作品：地球少女アルジュナ 作詞 - Gabriela Robin / 作曲・編曲 - 菅野よう子 / 歌 - 山本千夏
2001年に放送されたアニメで、環境問題を取り扱った作品。監督はマクロス シリーズで有名な河森正治 さん。 この作品もどの曲も名曲ですが、中でも「Cloe」の優しさとそのメロディーの美しさは素晴らしいものだと思います。イントロの一瞬のフレーズは水にしずくが落ち、波紋が広がる姿を浮かべます。山本千夏 さんが歌う少女の歌声は魔力を持っているように感じますし、「神秘的」という言葉がとても似合います。後半に加わり重なるストリングスも美しいです。他作品でもありますが、(サウンド はやや異なりますが)アイルランド 音楽の「リバーダンス」を思い出します。また、アルバムを通した本作品は、環境問題というテーマに対し、民族打楽器などを使用しプリミティブなサウンド になっている点で、どこか後のアクエリオン に通じるところが伺えます。筆者の他のおすすめは「クローン」「エアロビ」「地球共鳴」です。是非、他の曲も試聴ください。
7.「gravity」 作品：WOLF'S RAIN
作詞 - troy / 作曲・編曲 - 菅野よう子 / 歌 - 坂本真綾 アニメ「WOLF'S RAIN」よりED曲
「gravity」を選曲しました。 この美しく切ないメロディーは、膨大な菅野よう子 さんの名曲の中でも珠玉の一曲だと思います。本当に素晴らしい曲です。弦のイントロに始まり、ローカットされたバラードピアノが粛々となるこの数秒に、世界観と儚さが既に見事に表現されています。後半のよく聴くとホルンやクラリネット 、フルートなども鳴っています。この曲の美しさの一つに3:23という時間の短さも魅力になっています。優しくもどんどん展開され、音が鳴る美しい時間が一瞬に感じられます。特にこの曲の外せない聴きどころは、後半のリタルダンド からのピアノだけの和音の箇所です。冒頭で登場したピアノの和音がここで再登場することで空白を作り、それからすぐに壮大な菅野よう子 の十八番の重厚なストリングスが儚くも激情的なサウンド になっています。 余談ですが、「gravity」はsupercell で活動されている作曲家ryoさんが、ニコニコ動画 で投稿した動画(初音ミク )にもなります。
www.nicovideo.jp
「君の知らない物語 」をはじめとするsupercell やデビュ〜咲かせや咲かせまでのEGOIST楽曲の総合プロデューサーとして超有名なryoさん
も少なからず菅野よう子 フォロワーであり、数ある曲でも初の動画をこの曲で投稿したことを考えると、偉大な影響を与えている1曲だと思われます。
8.「ALFA and OMEGA」
作品：∀ガンダム 作詞 - Carla Vallet / 作曲 - 菅野よう子 / 編曲 - 菅野よう子 / 歌 - Carla Vallet
∀ガンダム は全体的にオーケストラサウンド がメインですが、本曲のような、エレクトロ系な曲も少なくありません。特にこの「ALFA and OMEGA」は、ミニマルなシンセフレーズを基盤に、Carla Valletのハスキーなボイスと、炸裂する佐野康夫 さんのドラムが最高にクールです。この曲も「Ride On Technology」のように、アコースティックとエレクトロが融合したミクスチャーサウンド になっています。畝るベースも聴きどころです。
9.「Go Dark」 作品：DARKER THAN BLACK -黒の契約者 テーマ曲とも言える、「Go Dark」。
正式音源なし
tower.jp
収録内容no.1より試聴はできます。
「COWBOY BEBOP 」のサウンド が好きな方は本作品もハマるかも知れません。端切れの良いホーンセクション、後半のサックスソロ、荒々しいドラムや特にハイハット が特徴です。本作品のサントラはボサノバやラテンだったりと、豪華絢爛とはまた異なる、シンプルなクールさが魅力です。中でもジャズオルガンとサックスの使用が多く、キーになる楽器になっています。
10.「Final vision 」
作品：劇場版アニメーション「エスカフローネ 」
たった、1分30秒の曲なのですが、圧倒的なオーケストラサウンド 、重厚なストリングスに平伏さざるを得ないほどまでの迫力が魅力です。この曲を聴くと、音楽への畏怖であったり、もはや人間の知の無力さのようなものさえ感じます。とても短い曲ですが、数あるオーケストラサウンド の中でもこのダイナミクス は聴いていてとても気持ちがいいです。前半の荘厳さと後半のコーラスの対比がとても美しく、まさにクライマックスにふさわしい1曲です。
rino 選 ベスト楽曲 10曲
1.「player」
本作は攻殻機動隊 stand alone complex 劇場版 Solid state society(sss)のテーマ曲。。歌唱はOriga が担当。origa さんは攻殻 でそれぞれメインテーマを3曲
(innner universe ,rise,player)
歌っているので自分はこれらをoriga 三部作と称しています。正直いって、どれも良いのです。派が分かれるだけの一貫した魅力がそれぞれの楽曲にはある。それを踏まえた上でなぜplayerなのか。。inner universe はmystical(神秘的）でありriseは Scalability(拡張性）にそれぞれクールさが残る楽曲
(ことriseは jazzanova 的な音楽だから当たり前といえばそうなのだが.）
に対してplayerはstylish なのだ。 前2曲はテンポ的にみてもローだし歌もどちらかというと低音が多い、それに対してこの曲は冒頭のラップからもうかっこいいし、サビまでにそこまでかからずに展開している。(オケとビートの融合もすごいし)そしてその後のメロディ転換が神がかり的。そこにoriga のちょっとした表現も入ることでカッコ良さが味として加わる。そして途中締め た後、再起動する感じ(2m47s~)この曲の中で最もかっこいいシークエンスがここからだ(3m6s〜49s）40秒近くにわたって繰り広げられる Heartsdales (日本人女性によるヒップホップユニットだから余計にこのラップ力はすごい.やっぱり幼少〜成長期の時代に海外で語学含めて浸透していると変わってきますね。本当の意味での帰国子女とでもいいますか)によるのラップを菅野楽曲で挿入するという神がかり的なかっこよさがある。
攻殻 菅野楽曲の歌詞はORIGA の母国語であるロシア語と英語の混合系が多いためかっこよさに拍車がかかる
むしろここのフレーズだけで勝っていると言っても過言ではない。そして十分に満足させてからの自然な流れでのサビ展開。この曲のカロリーは3000kcalぐらいあると思います。冗談抜きで一日中これ聴いて過ごせるだけの力があるのだ。より高まった唯一無二性含めて(inner universe ,riseもoriga ならではだが)正真正銘菅野よう子 ×origa の最高傑作であると。
この曲を聴く度に当のoriga 氏がご存命ではないのが悔やまれます。透き通った歌声は、菅野ビート系作品を表現するに最適なボーカリスト でした。数多の歌手との組み合わせの中でも一番のコラボ(コンビ)だと思っていたので本当に悲しいです。
多分、菅野よう子 楽曲の中でも、もっともアニソン「らしさ」が顕著に出ている楽曲。そして知名度 、売り上げも高い方。こういう記事でベスト楽曲をあげる場合、定番の曲は入れるのは逃げに思われるかもしれないが、より多くの人に受け入れられ、今やカラオケの人気ソングになるまでのある種市民権的なものを勝ち得たのは「名曲」である何よりの証拠だし、ベスト楽曲としてあげても誰もそれを疑わないだろう。何よりそれら差し置いて、単純に曲としてかっこいいのは言わずもがな。イントロのピアノの入り、落としてからのギターソロで、ボーカル入り。この感じは今のアニソン(っても14年の作品ですが)にも通底する型ですね。this gameとか
なんといってもサビの強度。「生き残りたい〜」のメロディは今でも力強く響きます。間奏パートのベースとピアノメロディの掛け合いも珍妙。そしてその後、「私眠らない」という助走をつけてからラスサビ、繰り返しの構成で流して、最後片方をオクターブ高く歌わせ、ギターのメロディで締める。一見すると定番のアニソンっぽくありながら、かなり込みいってる印象。２番終わり〜間奏前まで明るいのに対して間奏では悲壮感なメロディをだしながら、だんだんと明るくなっている。霧が晴れていくような感覚で大サビを「眠らない」の太い歌声で迎えるというこのどんどん料理していく感じは菅野よう子 らしさとも言えますね。
３.「イヴの断片」
ライオンと創聖のアクエリオン を融合したような楽曲。なにより歌詞タッチがもろ菅野楽曲という感じすごくツボ。あとかなり忙しい曲でもある。キャッチャーなメロディから始まり、そこから「千年求める」以降からライオン風になる。そしてBメロの意外なところを疲れる感じ。そしてサビできめにかかるのだが、「見つけて欲しい」「見ないで欲しい」「守って欲しい」の三段重ねで音をあげて1番を占めるところに痺れます。というよりもこの曲のキラー部分はここでしょう。メロディア スではあるが、この曲の声の右往左往する感じは一般人が歌うには厳しいだろうなっと思ったりしてるとアクエリオン 的といえる間奏前後の流れでかなり変化球を投げてくるこの展開の読めなさ。「図々しさ〜」から「神話の端にしがみついて」あたりのフレーズでもジェットコースターのように動き回るのに全くもって自然に聴けるっていうのも実にすごいなと思います。色々詰め込みすぎだけどそれでどっちつかずになってないし、決めるところは決める。the アニソン的な音楽でありながら、その構造を好き勝手こねくり回したそんな楽曲だと思います。
4.「Christmas in the Silent Forest」
6ｍの大作なのに全く飽きない。これぞ菅野よう子 パワーと言わんばかりの楽曲。アニソンをメインで聴いている人からすればマジで何食ったら(後で少し取り上げますが）こういう曲が書けるのかと思えてしまうほどの曲。しかもローテンポ。しかも、普通これイントロにもってくるかっていうほどダークネス。ゲーム音楽 かと思ってしまうくらい、根本からメロディが目立たないような施しがされている。3ｍ28ｓから若干違う曲にシフトしつつ3ｍ45ｓから戻しをいれて4ｍ13ｓからメロディ爆発。そして歌手が外人であることから発声が日本人が外来語を歌う時のそれとは明らかに違う(いい悪いではなく）外人の発声だからこそ成立する楽曲であると。イントロから思いも寄らないところにいってアウトロー ではちゃんと帰結するところがすげえなと思うばかり。
じゃあ何を食ったらこういう曲が書けるか。まぁそんなに難しいもの食べてない、というよりも寧ろ分かりやすいまである。まず第一前提としてこの曲は全体的に洋楽にアプローチが入っている。とりわけポーティスヘッドとか
Cowboys
ポーティスヘッド, ニック・イングマン & オーケストラ
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¥255
provided courtesy of iTunes
All Mine
ポーティスヘッド, ニック・イングマン & オーケストラ
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massive attack の90年代後半のelectronica 感(トリップホップ と書くのが正しいのですが、当人たちがその呼称に違和感を感じているため、今ではアブスト ラク ト・ヒップホップと形容されたります)とでもいいましょうか。
トリップホップ の始祖と呼ばれるアルバムBlue Linesもおすすめです。
あの時代の陰鬱さがある。まぁこの辺は当時の洋楽を聴いてれば絶対通ってる道ですし、菅野よう子 がこの流れを知らないわけないので
(普通に洋楽名盤として名が高い名盤たちです)
いや、むしろ知らないと作れない曲をちゃんと作って、ある種「この音楽はトリップホップ の流れを組んでますよ、皆さんわかってくださいね」みたいな曲を作っている。それが証拠にWhere Does This Ocean Go?
の音楽の方向性は完全にこのラインで。というのもトリップホップ が生まれてすぐビョーク が95年に出したpostというアルバム(これも超絶名盤)
でやった方向性がまさにトリップホップ でその中のhyper balladeという曲
を真似ているという点から、仮に本人は意識的でなかったにせよ実は一本線で繋がっているのである。こういう蘊蓄抜きにしてもとりわけ音にこだわるオタク作曲家でmezaanineとポーティスヘッドを外す人はいないと思いますね。何回も書いてますが、ryo(supercell )さんですらこの2枚を自分の音楽を構成したアルバム10枚に入れているくらいですから、知らない人はもったいないです。多分この中で1枚選ぶならmezaanineになる。
5.「Moon (Gabriela robin )」
これは作曲から歌唱まで(別名義の表記になっているが)オール菅野よう子 状態。この曲の何がすごいって、何一つキャッチャーな展開はないのに壮大性だけは耳に残るところ。この手のイントロから察するに着想はおおよさホルスト 的な方向性,具体的な楽曲名をあげるとSomersetRhapsody（サマセット狂詩曲)
から持ってきた楽曲だとは思うが(宇宙系映像の音楽のネタ元の大半、いやほとんがホルスト の組曲 :惑星の想像力から抜け出せないほど、御大の曲はすごいし、特段、組曲 :惑星の楽曲群は偉大であり強固な普遍性を持っている）、それをポップスとしてこのレベルに落とし込む力量にやられます。当然それは提供先の∀ガンダム との世界観を合わせるためのオーダーだったりそういう「提供作品」にたいするローカライズ だったのかもしれないが、結果的に菅野よう子 楽曲として一つ大きな作品として成り立っている。ライオンや創聖といったキャッチャーな楽曲も作れれば、こういったクラシックをバックボーンにしたローテンポのポップスを成立させてしまうところに菅野よう子 の凄みを感じます。そして何より特徴的なのが「歌詞の全てが造語である 」という点。アニソンとしてここまで徹底している曲ってのも珍しいのではないかと思います。
傾向としてGabriela robin で出す曲は往々にして造語系の曲が多いように見える。一応造語を翻訳した日本語版も
あることにはあるのですが、この曲ばっかりは絶対MOON(Gabriela robin )で初めて成立する楽曲だと思う。なにより日本語の語感が曲調に全く合っていない。母音をここまではっきり出してしまうと曲とのマッチングに微妙なズレが出てくる。そもそもが日本ポップス的でないが故に合うはずがないんですよね。私感を強めに言えばこの曲を日本語で歌われたものを聴くと拒絶反応がでます。
6.「預言者 」
めっちゃ久石譲 な音源ばり。というよりこれこそ明らかなミニマルミュージック派生の楽曲。さしずめ擬態:久石譲 とでもいいましょうか。特にイントロは。というよりも、ひたすらに繰り返しなんですよ。この曲は。だけどそこに味がそことなく漂ってくる感じがいいです。どっちかっていうとこの手の楽曲性が持つ繰り返し性はライヒ 派生なのですが日本だと久石譲 がそれを変換して曲に出ているので、まぁ久石っぽく感じるというわけです。ここら辺については久石譲 特集でこれでもかというほど語ってます.
久石譲 とミニマルの主題で書かれたブログでも相当クオリティは高いです。その証拠に「久石譲 ミニマル」で検索すると一番上に出てくるくらい読まれていますので未読の方は是非。
sai96i.hateblo.jp
余談ですが、この楽曲の次のトラックのbefore bereakfastという音源
は柳川和樹的な楽器の感じがして一瞬「柳川劇伴か」と思ってしまうくらい、柳川楽曲の味を知っていれば楽しめる流れ
以下柳川和樹、初見用最強入門楽曲
なので皆さんもぜひ体験してみてください。これだけで1日潰せます。柳川和樹も相当なサウンド メロディを作る達人ですがそれは別の機会に回します。
7.「Song bird」
純粋なピアノメインのメロディア スなポップスソングとして聞き応えがあると思う。今の時代DAW 発展により詰め込み型の曲なんかも当たり前になっているが、その意味で本作はバンドサウンド 性が強い(リリースされた時代もある)2m30以降の展開はちょっとryo(supercell )っぽい感じがするのも個人的な聴きポイントの一つ。(順序は逆だけど)
楽曲自体は変に凝っていないTHE アニメソングという曲です。ただ、歌詞の転換というか展開が絶妙である。サビにもっていくまでは自然な流れで、それでいて流動的。Aメロが28sまで続いて「溶け合って〜」でBメロに42sからサビで盛り上げて「伝えるためにあふれる気持ち」のフレーズ内で落としてまたイントロに戻って、繰り返しで間奏に入ると思いきや、もう一枠入れてそのあと間奏のタームにはいってあとはお決まりで締めていくのですが、アウトロー ではgravity同様ちょっと凝らしているところもこの曲がいいなと思えるポイントです。なんとなく変則的な感じを覚えるのは自分だけでしょうか.曲としては2m30sの前半とそれ以降とでメロディのタッチは同じだけど毛色が違ういうか、一旦終わっている。それが「怖いほど〜全てが生きている」までの助走間奏パートを挟んでからの間奏で「きらめく光が〜これも愛なのね、LALALA 」とここでも歌詞を橋渡しにして大サビに突入という何周してんだこの曲っていう、言い換えればくどさになるところをそう感じさせない見事な一曲。ちなみにplayerも同じレイヤー構造です。やっぱりリスナーのことはちゃんと考えて作ってるなということがわかります。
8.「PINK MON SOON」
菅野よう子 Ｒ＆Ｂ楽曲。そして歌ってるのがmay`nという。元々ルーツがR&B な人間が歌っているのでいい楽曲に歌手のバックボーン性が相まって見事に歌い上げている印象。個人的にそれだけの理由でベスト楽曲にあげてます。音域が元々低音だったmay`nは菅野よう子 に出会って歌う曲に対して、に思い切って高音出せって言われたら出たっていうエピソードがあり、それが総合的(より幅広い高域がでるようになったMAY`NにR&B を歌わせるという意味）に結実した曲がこの曲だと思っていいます。
私は元々低いキーで歌っていた ので、まずハイトーンの楽曲を歌うことが大きな関門だったのです。このキーは出ないかもしれないってお話していたんですけど、菅野さんがどんどんどんどん自信をくれたというか。最初に歌った「射手座☆午後九時 Don't be late」も「絶対出るからまずは出してみな」って後押しされながら歌ううちに 、自分でも知らなかったハイトーンがどんどん出てきて。 「自分の実力は自分が一番よく知っている」なんて思っていたんですけど、菅野さんが「できるできる」 って背中を押してくれたおかげでどんどん幅が広がって、知らなかった自分に出会えました。
9.「インフィニティ」
さて、この曲を聴いて色々な意味での伝説の第6回アニソングランプリ(歌い手GEROも第3回あたりに本名の金城名義で出場してたりして）で優勝を決めた岡本菜摘 の酷い歌唱を思い出した人は同志ですね。最近活動休止しましたよね。まぁそんな小ネタはともかく、この曲はイントロからずっと掴みどころがないのがいいですね。まず弦楽器をどんとぶち込んですぐ耳障りのいい方向性にもってくる、そしてAメロからサビまで基本的に届きそうで届かない音運びが好きです。Bメロあたりのピアノも主張をそこまでしない形で抑えてそのほかの楽器もひたすら裏のリズム寄せに合わせているからこそ、ボーカルの声がここまで目立つというものです。ここまで歌い手の声が印象に残る形もアニソンとしては珍しい気がする。届きそうで届かない違和感も間奏の「消えることのない希望がこの手にあるから 」ここの流れでそれまでの掴めない感じを一気に解決する感じ(ある種の爽快感)が最高です。
10.「butter sea」
Crime
スティナ・ノルデンシュテン
ポップ
¥255
この曲はスティナ・ノルデンシュテンというスウェーデン 歌手の楽曲と聴き比べると面白く、前者は一つのメロディの型に当てはめて歌がある。歌に対してメロディはそこまで変わらない。ただミニマル的な解釈な音源が続くだけであるのに対して、butter seaはリバーブ がかかったギターがひたすら裏で響きながら(そこにピアノを加えているのもポイントが高い)、歌声に合わせて、メロディの波形も合わせてくる。後半になるとギターがうってかわって打点的な形にシフトして歌声による味付けがたされつつも、メインの歌唱はひたすら進行していく。そして「え、これで終わり？？」と思うほど意外(というか、あっけない)着地点で終わる。crimeの場合、こうはいかずに「はいはいそうお終わるのね、やっぱり」という感じで展開が見えていて見事なまでにそこに着地する。ある種ポップスとしては当たり前の作りになっている。が、私は変わった音源が好きなので意外性のある展開が好きで、本作は色々凝っていることもありbutter seaをベストに挙げました。
番外編として耳に効く(聴く)一曲を貼っておきます。ベーシストは必聴!!
以上20曲を聴いていただいたところで次は菅野楽曲の効能、凄さと菅野よう子 が影響を受けたアーティストや作劇方の解説をします。
菅野よう子 論(λさんパート)
音楽という聴覚の娯楽を言葉で表現するのは非常に難しいのですが、菅野よう子 さんの音楽の素晴らしさを何とか頑張って言葉でするならば、
1.「音色センス」サウンド 」への感覚が素晴らしいと思います(これはミックスやマスタリングにも関わるので、エンジニアによる功績も大いにあると思いますが)。
先程、10選で1曲目に紹介した「Wo qui non coin」をより例により具体的に紐解いてみます。サウンド がループされており、この曲が全体的に「可愛らしい曲」であること、また、ややハイファイなギターが切なさを醸し出しています。もしこれが、単純なアコギで、ローもしっかり出てしまっていたら、この「少女が親しくしていた子犬を見失ってしまった」という世界観はすぐに壊れてしまいます。加えて、途中から入るやや無機質なフルートのような音色が、少女の悲しみを表現しています。これも生で艶やかに演奏されてしまっては、まったくもって世界観が壊れてしまいます。更に、フルートが入るところから、ボーカルもダブラーされており、呪文のような言葉の心地よさを自然に強調することに成功しています。サンプラー ドラム、ギター、フルート、ボーカル、(子犬の鳴き声エフェクトも！)どれをとっても、ただ適切な楽器を選ぶだけでなく、意味があるベストな「音色」を選び、重ねることで、1曲のなかの世界観が広く深いものになっている、それを見事に表現出来るのが、菅野よう子 さんの素晴らしさの１つだと思います。
2.「圧倒的なストーリー性、構成美」
こちらも、7曲目に選曲しました「gravity」でより詳細に見てみましょう。
まずはじめに、フルート、ハープなどの音色が呼び水となり、チェロなどを主体とした重厚なサウンド が、この曲の世界観がなにか大きく優しいものに包まれているように感じます、しかし少しずつ音域が上がっていき、最後の和音がどこか悲しい音色になってしまいます。ここで、不安を表現しています。そして、「間」があります。聴けば聴くほどこの間が見事です。そこから始まる、たった片手で引けてしま4分音符の３音のマイナー和音。音色もどこか錆びれたような音色をしています。ここまでわずか３０秒です。たったの30秒。この30秒の中に「優しさ→薄くなっていく空気→冷たく悲しい物語が始まる…」といったように儚い世界観が音で表現されています。すべて意味のある、美しい構成だと思います。1:18～は巡るように転調し、世界が一瞬変わり希望を表現しています(歌詞も「雨が霧に変われば、その向こうにはもうひとつの今日がある」という内容になっていますから、見事なリンクです)。そして、また元の世界(=調)に戻ります。続いて、この曲のタイトルでもある「gravity」という単語が、それまでリズムがあったメロディーと対比するように、ゆったりとした音価 で「zero gravity」と決め台詞のように歌われています。そしてすぐに楽器が増え、重厚になっています。まるで、この「zero gravity」言葉が呪文のようになり、またひとつ世界が変わる役割を果たしているように聴こえます。更に言えば、ここでブルーノート が使われることで、一層「キーワード」を強調する形になっています。2:03～ではオンコードされることで「希望」を表現していますし、イントロのフレーズがここで再現されています。つまり、ここでまた冒頭の「希望」の表現が再登場しています。そして再度ピアノの和音が登場することで、温度が下がりますが、一気に重厚なストリングスが入り、景色が一瞬で変わります。不思議なのは、ここのメロディーAメロと同じなのです。
0:00~イントロ=フルート、ハープ、ストリングスで「希望」の世界観を提示
3:30もないこの１曲に、このように感情の起伏がきれいに盛り込まれており、ここまでのストーリー性と構成美を構築出来るのは本当に菅野よう子 さんにしか出来ない至高の技だと思います。
もう1曲
不穏なイントロに始まり、低音の弦とピアノで構成され、休符も大きめなリズムが特徴的なAメロは特に印象的。更にピチカートが普段耳にしないとても不思議な世界観を作り上げています。楽器隊の組み合わせと表現力が菅野よう子 らしい。全体的にモーダルな雰囲気もあり、神聖さが表現されています。そして、比較的すぐに登場するキメの「Light of love」のフレーズもここで音程が跳躍することで光が差すイメージを表現していることに驚きます。前半は暗い曲調ですが、5:00~からは優しいメロディーが始まり、これがテーマとなり編成を変え、最後まで続きます。最初は民族的なビートに支えられますが、次第にリズム隊は抜け、ストリングスのみの構成に。この何度も繰り返されるテーマが神々しさを表現しています。全体で８分の長編になっていますが、全く退屈を感じさせないストーリー性と構成力は匠の技ではないでしょうか。
３.「幅広い音楽性」菅野よう子 さんの音楽といえば、その多彩さです。特に生と電子の組み合わせ、つまりはミクスチャーのセンスは抜群ではないでしょうか。
歴史を辿れば、1990年代の「信長の野望 」、「マクロスプラス 」、「天空のエスカフローネ 」では、既に楽器それぞれの理解と和声など、音楽の総合力が試されるオーケストレーション 力を存分に発揮していました(マクロスプラス は1994年。31歳でイスラエル ・フィルハーモニー 管弦楽団 を従えて神サントラ作っちゃった菅野さん。この時点でものすごいのです…)。クラシカル色がメインではありますが、「MACROSS PLUS ORIGINAL SOUNDTRACK II」の「Idol Talk 」にもあるように、エレクトリックで近未来的サウンド はこの頃から登場しています。
続く「Jade」では民族楽器と口笛を基本に、ギターとジャズオルガンなどの構成。シャッフルビートでどこか剽軽なメロディーいう組み合わせで、既にミクスチャーの精神とその才能を発揮されております。
言わずと知れた「カウボーイビバップ 」では「Tank!」を始め
「RUSH」「WHAT PLANET IS THIS?!」「Too Good Too Bad」「 Bad Dog No Biscuits」ビックバンドサウンド の魅力とその力強さを楽しむことが出来ます。
一方で、「THE REAL MAN」ではサンプラー テイストでクールなサウンド が聴けますし、「SPACE LION」の民族楽器とシンセ、そして歌うサックスなどで奏でられる壮大さは、「カウボーイビバップ 」の世界の美しさを表現しているようです。
「攻殻機動隊 」では4打ち系を主体としながらも、ブルガリア ンボイスや得意のストリングスも惜しみなく使用し、攻殻機動隊 の「機械と人間」というなかで蠢く「静と動」を厳粛さを失うことなく、表現していました。特に佐野康夫 さんの躍動的なドラムビートは荒々しくもタイトな最高にクールで、まさに生きる人間の呼吸の「動」として機能しており、その魅力が存分に発揮されていたと思います。「Rise」「Player」「Ride On Technology」などループ系ビートと生ドラムとの組み合わせも効果的でした。得意のストリングスやクラシカルサウンド も「Tempest」「To Tell The Truth」などで発揮されています。
そして、「洗練された下世話の時代」(※)を代表する「マクロスF 」と「アクエリオン (シリーズ)」の登場。マクロスF では「トライアングラー 」
や「ライオン」そして「星間飛行 」という超名曲が世に放たれました。
シェリ ルのクール＆セクシーサウンド =「禁断のエリクシア」「ユニバーサル・バニー」
特にマクロスF は名曲のオンパレード。どの曲もJpop、アニソンとしての枠組みで最高に美しい楽曲ばかりで、宝石が並ぶようでした。
アクエリオン もまた「創聖のアクエリオン 」というこちらも超名曲を産みました。他にも「月光シンフォニア 」では幻想的な世界を、また「イヴの断片」は非常に情熱的なソングで、総じてアクエリオン は人間の愛やエロスを最高にカッコよく表現していました。
に対し、ピュア＆キュートなアイドルのランカでは「虹いろクマクマ」「放課後オーバーフロウ」など、二人の対比を楽曲で盛り上げていました。
近年では、「星と翼のパラドクス」(2018)ではこれまでに耳にしたことないサウンド や空気感を表現し、「Good Job!」(2018)では、4打ちをベースしながらも、どこか行進曲的なビートも組み込まれ、シンセサウンド で、アニメ放映からマクロスF らしい未来観へと私達をタイムスリップさせてくれる1曲です。
そして、奉祝曲 組曲 「Ray of Water」(2019)
では、日本を代表する1曲として荘厳ながらも暖かなメロディーで、日本の美しさを表現されていたと思います。
氏にとって流行の新しいサウンド かもしれません。加えて、これまでのマクロスF とは大きく異なるスネアの音色や、弦の質感も部分的にややエピック寄りなサウンド になっていたりと同じマクロスF でも新規性が伺えます。そして、8分にも及ぶ大曲ながらも、ミュージカル的なAメロ、キメの多いBメロ、2:30~のサビはリズム隊抜きを抜くというテクニックが見られます。そして、一聴しただけで耳に残る強烈なメロディーのキャッチーさ。かと思えば続く3:01~で落とし静寂を、続く3:14~タイトルでもある「時の迷宮」の「迷宮」を表現しています。そして、この楽曲の魅力のひとつである、3:26~からのストリングスを基調とした(木管 やギターも鳴っています)Aメロは菅野よう子 が最も得意とする領域で、その技が惜しみなく発揮されています。4:52~はミクスチャー的なサウンド になり、最後の華やかさまで心地よい展開の連続で駆け抜けていきます。6:09~はシェリ ルの「ダイアモンドクレバス」
が、7:22~のギターは代表曲「ライオン」のリズムをモチーフに援用するなど最後までマクロスF の世界観を凝縮した1曲になっています。サウンド と音楽の発見、新しい音楽を聴く喜びを私達に与えてくれることが出来るのは、菅野よう子 さんにしか出来ない技であり最大の魅力だと思います。
菅野よう子 は現代(における)音楽の女神」だと言い表してみたいのです(※ここでいう現代音楽は歴史的な括りではなく、より具体的な商業音楽での世界を意味しているつもりです)。上記のように彼女の音楽はとても魅力に溢れ、世界中のプロの音楽家 達にも親しまれ、音楽業界に与えた功績は「ライオン」や「創聖のアクエリオン 」を始めとし、その影響力は絶大です。そんな彼女を少なくともファンである私は僭越ながらも、音を、音楽を自由自在に操る女神と表現したくなるのです。2021年は実写版カウボーイビバップ もあり、また彼女の音楽を楽しめていることに感謝でいっぱいです。そして、月並みな表現ではありますが、これからどんな音楽が聴けるのか、私はとても楽しみです。
最後に一言、「菅野よう子 は最高！」
※補足
菅野よう子 作品を語る際に、作編曲家の田中公平 先生が提示した指標があります。サウンド の時代」
これを作品に当てはめると、
「センスの時代」…マクロスプラス 、天空のエスカフローネ
田中公平 先生はセンスの時代の作品を時の記憶、約束はいらない、奇跡の海 、プラチナの四作品と指摘
「サウンド の時代」=攻殻機動隊 、WOLF'S RAINマクロスF 、アクエリオン などが該当します。
詳しくはこちら(第一回から読むといいです)
・菅野よう子 論 影響を受けた音楽群とサンプリング手法の型取り (rino 評）菅野よう子 としての側面を復習ったところで、次は型に注目して菅野よう子 の音楽性を考えていこう。意外なことに菅野よう子 の代表/有名曲の構造は分かりやすいほどに名曲を参考にしている節がある。
・まず聴いて欲しいのはこの楽曲ビッパ ップより)。
さて、この音源を聴いて何を思うかは人それぞれだが、おそらく映画好きはこう感じるはずである。LUNATIC CALM のleave you far behindの変化球であると。
というより構造そのものを引用している。そしてleave you far behindがゴリゴリのベースのテクニカルな側面とエレクトロの方向性で超絶かっこいい曲になっているのに対して菅野よう子 が作ったPushing the skyはギターソロがメインに置き換わっている。あっちがベースならこっちはギターだと言わんばかりに.全体的な楽器の運び方などを含め、音源的にはleave you far be hindの方が格段に優れているのだが、Pushing the skyも面白いところがある。それはベースのメロディを一部分に集約することで(1ｍ33ｓ〜1m42s)一番、２番のつなぎの役割として落とし込むことで、leave you~で総じて感じる「過度な音源の繰り返し感」というのがさして感じない。そしてその後ギターソロまで入れているからその意味ではこっちの曲のほうが楽器の音を入れ替わりのように楽しめる。そして全体的に楽器がそこまで主張してこない。そう言った点でからより多角的なアプローチをしているのは後者だと言える。なによりlunatic calm をサンプリングしようとするその姿勢が面白い。
・be human/ladies and gentlemen we are floating in space
では次にこの二曲を聴き比べてみよう。これは中々凄い。イントロで台詞を話してから話すところや、テンポはまぁ同じだし、まぁ引用の度合いが高い。がしかし、それで生まれたのがbe humanと考えるとやはり菅野よう子 のサンプリングのやり方もうまい。一曲としてどっちのほうが「メロディア ス」なのかを考えればおそらく、be humanを挙げる人が多いと思う。そのくらい、型自体は物真似であるのにもかかわらず、素晴らしい名曲が生まれている。これはいくつかあって、つまりスピリチュアライズド のladies~が、曲のアプローチそのものはうまいけど誰が聴いてもあからさまなカノン進行でしか曲が成立していないし、全体的にトーンが同じこともあいまって「くどさ」が前面に出てしまっている。かたやbe humanは機械音を定期的にはさみ、鉄筋で味付けをしてメロディはギターで奏でることで曲全体のバランスが終始保たれている。そしてなによりアウトロー で悲哀な感じで終わっていくというのも菅野クオリティ。
※因みに、菅野よう子 は攻殻 SACのサントラを作るにあたってスピリチュアライズド からのインスピレーションを受けている感じがします。
trip cityという作品では
come togetherと
electricityからの構造を引っ張ってきていることがわかる。
・COSMIC DARE(PRETTY WITH A PISTOL)/Overload(sugababes)
さて、この場合はどうか、かなりの具合で引用が激しい。が、ここで感じるのは「曲としての凝り」の度合いはむしろ菅野よう子 の方が固めている印象を持つ。後メロディ性で言えばCOSMIC DARE(PRETTY WITH A PISTOL)の方がキャッチャーの印象を持つ(というよりoverloadの方が洋楽性のある低音の気がする、その意味でここでいうキャッチャーさというのは日本人特有のものと考えることも可能）。そして間の使い方や、音のタッチなどの方面でいえば明らかに後者の方が富んでいる。ほぼ同じ構図を持つにもか関わらず展開の見せ方でちょっと違う曲になっているのが面白い。
・powder/the Desert music
まぁこっちからの影響も考えられるが
じゃあ、さきほど出したアルジェナの作品以外で菅野よう子 がおもいっきりミニマルをした曲ってなによって話ですがこれでしょう。ライヒ は偉大ですね。久石的な音楽性を導き出しながら菅野よう子 にも影響を与える幅の広さ。the desert musicは音がひたすら繰り返されますが、powderではそれに付随して女性の声が加わります。ライヒ 音楽は統一性があり、そこに実験的なミニマリズム が加わることによってあの爽快な音楽性というのが顕在化するのですが、菅野よう子 は統一性ではなく、音による親和性で曲を紡いでいった感じがする。あと強弱にそこまで拘っていない。ピアノのが凡な感じなのが少し気になる。こういう曲の場合、もう少しバリエーションがあってもいいとは思う。アニメの劇伴における調整なんだろうけど。まぁこの場合過度に音のバリエーションを増やすか、単一の凡な感じにするしか成立しえない曲なきもするので安牌をとったと考えるのが普通でしょう。
・thousand knives(千のナイフ )/Go Ri A Te
マクロス の劇伴の「go ri ate」はある程度音楽に造詣があれば、教授の千のナイフ のフォロワー楽曲であることが如実に 表れている。というかまぁそのまんま。
(これがデビューってぶっ飛んでますよね、さすが坂本龍一 )
がしかし、ただ真似るだけでなく後半に鉄琴や、オルガンでメロディを組み込んでより聴きやすい作品にしていることが窺える。これまでの流れからし てもやっぱりバランスを重んじている。無機質で、ひたすら実験的な音源を積み上げていく教授の作品にたいして、菅野よう子 のGo Ri A Teは型としての異質感は残しつつも、聴きやすさ(いわばローカライズ )を重視した作品にしている。
ここからは古典、つまりはクラシック音楽 を参照している楽曲を紹介します。
・Final shore おお、再臨ありやと/ヴェルディ 「Requiem」＋ブラーナの「O Fortuna 」
(はい、ここで川井憲次 につながる流れを決めたいが、あえて自重します)
もうね。こういうのは劇伴作家なら一回はやってみたいものだと思うんですよね。イントロの感じからヴェルディ のレクイエム感はみなさん分かるでしょう。「 おお、再臨ありやと」 副題までつけちゃって。というよりあの曲知ってればこの曲がいかに意識しているかなんて別に音楽に詳しくなくてもわかる。そのくらいクラシカルなあの感じというのは再現したくなる。世界で最も知られている曲を書いた映画音楽の巨星ジョンウィリアムズだってジョーズ は完全にストラヴィンスキー であることは音楽知らない人でも誰でもパッとくるもんです。プリクエルSWの中でも見所の戦闘シーンで青鬼ならぬ赤鬼(ダースモール）戦で流れるduel of the fatesなんかもその流れかな。
散々バラエティや映画音楽で使い回された曲。
ヴェルディ の「レクイエム」とカルミナブラーナ「おお、運命の女神よ」潜在的 に」刷り込まれすぎてパクリ云々とかではないんですよ。ジョンウィリアムズのクラシックオマージュっぷりはこの2つ記事にちらっと書いたので気になる人は是非。
sai96i.hateblo.jp
sai96i.hateblo.jp
その意味で菅野流の「壮大なクラシック」の立ち位置を示した楽曲がこれというのは凄く納得できる。見事な再現&換骨奪胎ぶりには驚かされます。一人の劇伴作家としてこれをやり切った時はさぞ楽しかっただろうなというのは想像に難くないです。クラシックのアプローチという意味で激推しの一曲です。個人的に面白いと思ったのはクラリネット ですかね。一見陰に思えて案外主役を張っていると思います。
・blaze/交響曲 ５番第一楽章(ショスタコーヴィチ )
同じくクラシック引用シリーズでいうとこの曲も顕著。マーラー がアダージェット情緒的楽曲の最高位を締め、以降マーラー のフォロワーが溢れたようにであり、一本柱になっているのと同じように野太く、骨太で単純な旋律といえばショスコヴィなんですよ。系譜としてはまさにマーラー からのショスタコ ーヴィッチです。さてエスカフローネ のblazeを聴いてみましょう。あからさまなショスタコ ーヴィッチの味を残していることがわかります。
・revenge/ボレロ (モーリスラヴェル ）
これも露骨なほどラヴェル のボレロ を参考にしていますね。前半はホルスト の惑星組 曲の木星 みたいな感じがします。木星 +bolero=revengeという。ただ後半もうちょい打楽器の音をあげてもよかったんじゃないかと思う。はと思ったんですけどエスカフローネ のサントラ曲ってバックボーンがクラシックの曲が多くて菅野よう子 版:クラシック音楽 作品集みたいになってます。
high spirit/ワーグナー よりワルキューレの騎行
これはイントロが特に顕著なのですが、もろ意識していて聴くたびに笑ってしまう。
漆黒のカデンツ ア/ショパン ノクターン 2番 変ホ長調 9-2
もっというとこれにラフマニノフ 味が入ってる。ロシア+ポーランド のピアノ作品の合わせ技っていう印象がこの曲にはありますね。同じくEVOLのアルバムからあからさまなクラシックオマージュが感じられるのがこれ
創聖カルナバル/ホルスト より惑星組 曲:火星
一瞬スターウォーズ ラインと思うかもしれないですが、実はホルスト 。
※最近ブログ上でずっとホルスト の名前をだしていますが、宇宙・戦争系の壮大テーマはだいたい火星からというのはれっきとした事実なのでどうかご容赦を
というよりもSWの有名劇伴はホルスト とワーグナー とコルンゴルト とヴェルディ がネタ元。ウィリアムズが凄いのはそれらを継承しつつ新しいサウンド で展開しているところ。それに比べたら然しもの菅野よう子 のクラシックの使い方はすごく陳腐ではある.ただ、この曲もそこそこは変わっていて、つまりはイントロ/アウトロー が火星という使い方。言ってみればそれだけの曲なのですが頑張ってSWと火星感を出そうとしている労力は伝わってくるので一聴の価値はあります。
・sora/ジムノペディ
Sora
シャンティ・スナイダー
アニメ
¥255
provided courtesy of iTunes
まぁただのサティ病だよね。ジムノペディ 。一体この曲がもたらす神秘性はなんなのでしょうか？そこにはひたすらに「繰り返し」であること意外に特出しているところはありません。いまでこそ涼宮ハルヒの消失 に、ゲームぼくのなつやすみ 2に使われ、それを除いてもサティの音楽性っというのはあまりに大きな大衆性を帯びましたが、サティは和声進行や対位法を無視したその作風から異端児と呼ばれていたことからもわかるように当時の音楽シーンにはあまりに独自性の強すぎる人であった。それはジムノペディ をはじめとする諸作に現れている。とにかくなにもない、というより消えていった調号、そして拍子などどんどん削って、残った音楽があれなわけです。その意味で何もないんです。本質的には。がしかし、その無の音楽性が今では当たり前になっているのを見ると、サティのやったことは大成功なわけです。話を戻すために繋げるとこう言ったポップスにも使われているわけですから。まぁ見事なまでのサティの曲なので、あれがこれがという曲でもないですね。final shoreと同様、当たり前となった音楽をポップスに展開するという試みとしては中々いいと思う。というのも先述した通り、この曲はそのまま使われるケースもしくは劇伴として似たような楽曲が作られることの方が多いからだ(そしてそれは圧倒的に正しい)。誰もが知っている型を思わぬ形で展開する菅野よう子 のセンスが光る一作です。
蛇足:音楽CDショップ屋にいくと端っこに「自律神経系ミュージック」だの「リスニング」などの一体これは何を指してるんだというコーナーがありますが、あれは思うにサティの作品の「何もない」の延長の先にあるものではないのかということを、これを書いててふと思いました。現代だとマックスリヒターの音楽がまさにそのコーナーにあったりするんですよね。なのであながち間違っていない(と思いたい)。
クラシックの話はこれくらいにして、ポップスにおける菅野よう子 論に戻ります。
・Ask D.N.A/Where It's At(beck )
これはイントロ部の引用型の例。でもこれは分かるな。BECK のオルタナ 性って本当かっこいいですもの。構造引用型では洋楽から引っ張ってくるケースが多い。
・ダニエル/ Will Not Forget You(Sarah McLachlanI)
一方で劇伴はやはり映画音楽ネタからが多い。
・space lion/love thema
ヴァンゲリス はシンセサイザー 畑出身のため、一音に対する解釈の幅が大きい。そしてこの曲ではサックスがメインとなってメロディを奏でているが大事なのは裏で鳴っているサウンド である。映画劇伴作家の中でも唯一無二性を誇るヴァンゲリス の音楽.だからこそ、真似るとすぐネタ元として上がってきます。多分散々言われていると思いますね。tears in rainという作品では「裏でなっているメロディ」の扱い方が特に秀逸である。そして展開。54s前後から盛り上がり、1m03s前後でまた上がる。とにかくシンセサイザー における音の性質をとことん極めた人だと思う。ではspace lionはどうか。まぁ意識していることに違いはない。が、サックスの音の扱い方をみるにPink Floyd のus and themからの影響とも考えることができる。ß(vanfelisとプログレ 、一見どう共通性あるのかと思うかも知れませんが、Pink Floyd と同様五大プログレ バンドと言われたイエス に加入に誘われたこと があることから分かる通りそのサウンド 性はプログレ における実験性に近いものがある.プログレ についてはこちら
sai96i.hateblo.jp
※実際には加入しなかった。
（がしかし、してたらイエス も別の意味で凄いバンドになったんだろうなと夢想)
因みに菅野よう子 はon the runというPink Floyd の曲名まんまの作品を作っているから聴いてないはずない。
そもそもが全世界の売り上げでtop10に入るようなバンドなので音楽をやっていてPink Floyd を聞いたことがない人っていうのもまぁ珍しいですが。
ちなみに、過去菅野楽曲で明らからにヴァンゲリス の曲が意識的に模倣された例はもう一曲あって、ｃｍ曲で「Exaelitus 」というのがあるのですが
うまいこと隠してますが、核となる部分を真似しているのでどうしてもこの曲を意識していることを感じる。
・Pot City/Dub Driving(アンジェロ・バダラメンティ )
これなんかも、ありがちなラインと思いきや、実はアンジェロからなんじゃないかなと思ったり。だってメロディの繊維が強いだけでほかは凄く意識している形に自分には聞こえるのですが、みなさんどうおもいますか？
・tank!/ get it on(chase)
意外にもtank!もサンプリング的な作りなんですよね。とうかカウボーイ・ビパップとまでいうくらいだから、ビパップ系の音楽は相当数参考にしていると思う。
chaseのget it onのサビメロディがまさにそんな感じ。むしろget it onの拡張版としてのtank!と思うとより楽しめる気がします。まぁジャズって色々奥が深いから必ずしもこれがっていう断言はできませんが、意識していることは間違いなさそうです。ただし、これも菅野よう子 の手にかかったことで圧倒的にかっこいいサウンド になったのも事実。某記事によるとtank!はアメリ カの野球会場でも流れているそうで、カウボーイビパップ自体が海外人気が高いということもありそうですが、単にジャズ曲の一つとしてカウントされているなんてこともありそうですね。そしてビパップのOST は基本的に作品の方向性からし てもジャズ音楽のオーダーが重要な要素になったはず。bad dog no biscuits/Midtown(Tom Waits )なんかがいい例でトム・ウェイツ のMIDTOWNの音を重低音よりの方向、とりわけジョンバリーが編曲した (作曲じゃないよ）007のテーマ的
(007のメインテーマはモンティ・ノーマンが原曲・作曲者なので誤解ないように)
にアレンジをした曲になっている。
この曲も出だしは引用型である。
ELM/kiss from a rose(SEAL)
ELM
Pierre Bensusan
アニメ
¥255
provided courtesy of iTunes
Clutch/3rd Quadrant(ケニーギャレット)
これなんてサックスのラインを聞けばケニーギャレットってすぐわかる話で、この辺りのわかりやすさは多分監督からの指示だと思う。なんせビパップの名奏者マイルスデイヴィスとスィングジャズの巨匠デューク・エリントン の二人から認められた演奏力を持ち、すなわちスウィングジャズ(アンサンブル重視）・ビパップ(即興重視)の両刀型なわけで、それを知った上で聞くClutchはすぐに察しがつく。でもまぁそれを演奏してるシートベルツが一番すごいのかもなぁ、、
同じカウボーイビパップのジャズラインだとBlack Coffeeを聴く限り
ブリジット・フォンティー ヌの「ラジオのように」も参考にしている気がする。
ここまでくると本当に菅野よう子 は監督指示にしたがって書いているとしか思えない。なぜなら菅野よう子 はそんなにジャズに詳しくないっぽい発言をしているから。全体を通してカウボーイ・ビパップのOST は元ネタジャズ楽曲がありきなきがしてならない。
さて、これまで＋な事を書いたが、ここでちょっとマイナスな話を。
※好きな作家ゆえ本当はこういう話はしたくない のだけど、マンセー 記事にはしたくないので
今まで挙げてきたように、菅野よう子 楽曲は秀逸なメロディラインの前に、秀逸な楽曲の型取りが目立つ。故にやりすぎた事例をここで一つ紹介しよう。トルキア という楽曲がある。この曲は菅野ファン、並びに攻殻 SACファンなら誰でも知るシリーズ屈指の人気楽曲。
では次に
サイバーバード/butter sea(Hooverphonic)
特にこれはかなり意図的だと思われる。
ride on technology/jungle-out(no jazz)
まぁもう一段階深い視点で考えればこのNo jazzのjungle outもネタ元はλさんご指摘の通りブレッカー・ブラザーズ のsome skunk funkをよりテクニカルにしたものなのですが。
ここでいいたいのは、ride on~が参考元とほぼ変わらないということです。
mushroom huntig/let the good shine(DJ Food)※itunes ないっぽいです
You make me cool/Blue Light, Red Light(ハリー・コニックjr.)
Words That We Couldn't Say/Shape Of My Hear(sting )
・cloud9/Une Heroine(Laurent Voulzy)
アイドリング/Axis Of Ignorance(Nils Petter Molvaer )
・want it all back/Zodiac Sign (Imperial Drag)
scooters/mr.blue sky(Electric Light Orchestra )
の曲をそれぞれ組み合わせを聴いてみよう。このレベルになると流石にきついところがある。そりゃ全体の構図など総合的に俯瞰したら違うものにはなるけどそれは当たり前で、むしろそこすら同じであったらこれは悪質な模倣でしかない。創意工夫が一切合切感じられない。このように菅野よう子 楽曲は「良い」曲がある反面、元ネタを露骨になぞってしまう傾向がある。(オーダーによるもの中もしれないが）
そしてそれは所謂「パクリ」というマイナスなイメージを引きずってしまう。その行為自体は否定しないが(文化の歴史は真似事でしか発展しないし)限度というものがある。今ではこんな真似は絶対にしないと思うが万能作家であれど、意図せぬ失敗をしているものである。当然トルキア ,ride on technologyは一楽曲として素晴らしいし(サイバーバードは個人的には微妙）、だからこそ今なお色々な人に愛されている。その意味では「より良質にしあげている」し作曲家としては成功している。がしかし、そこに掛かってる菅野よう子 的なアプローチの「発想」はゼロであることもまた事実である。
注）ま、こんなマイナスなところ書いたところで売り上げで表される数値に揺るぎはないわけで、ネットで何を書かれようがその数字そのものは揺らがず、CDメーカーの人間もそれを知っている。だからそれを知らない我々がどれだけ喚き立てようとも意味はない。がしかし、こういった意見もある程度の正当性をもつものであるため書いた。
小咄でフォローをすると、ロジャー・ジョセフ・マニング・ジュニアらがJellyfish というバンドで70年代を隆盛したパワーポップ を90年代にBellybutton(1990)とSpiltMilk(1993)の2枚で一世を風靡したあと
Imperial Dragを結成。同名のアルバム「Imperial Drag」出したのですが
これほどまでに完成度が高い作品なのにあまり知られない、いわゆる隠れた名盤になってしまった作品なんですね。故に、この隠れた名盤よりZodiac Sign を当時96年に把握してそれを98年に反映するという姿勢そのものはかけねなしに評価していいと思います。ちなみにパワーロック のテイストをJ-popに変換したのがofficial 髭男dismっていうことを覚えておくと、彼らのサウンド の一抹が垣間みえて大変面白いし、十分語りがいもあるのですが、それは別の話。いつかやります。
閑話休題
・坂本真綾 プロデュース作品について。
では次は坂本真綾 プロデュース作品群について語っていこう。菅野よう子 楽曲の作品群で外せないライン坂本真綾 作品がある。97~2003年の間の作品をプロデュース。数枚のシングルとアルバム作品を4枚の作品を残しました。ここではそれらの収録曲よりどういう魅力があるのか、そして96-03年という時期に作ったという事実がその後どういう事象につながるかを語っていきます。
それではまずはλさんの坂本真綾 楽曲の魅力についてです。
・坂本真綾 さんの初期４部作から観る菅野よう子 らしさ
初期作品の全体像ですが、ギターポップ やソフトロックがベースとなりつつも、その楽曲ジャンルの幅広さは相当に広く、それもまたオールラウンダー菅野よう子 さんの「プロデュース力」の賜物だと思います。菅野よう子 は天才作曲家でもありますが、坂本真綾 4部作通して「天才プロデューサー」でもあるということを改めて認識させられます。菅野よう子 さんは坂本真綾 さんというアーティストやマクロスF といった作品を「プロデュース」も素晴らしい偉大なお方です…（マクロスF の楽曲はすべて！菅野よう子 さんプロデュースです！！！）。
また、ざっくりで恐縮ですが、アルバムのうち数曲はビートルズ を参考にしているのでは？と感じる曲があります。他にも、この頃からもマクロスF やアクエリオン に通じるサウンド を感じることが出来、菅野よう子 サウンド を楽しむことが出来ると思います。近年の坂本真綾 作品は一流ミュージシャンを複数起用したり、他にも「色彩」「逆光」「躍動」「独白」の２文字作品により楽曲間でブランドを築いていたりと新しい方向に進んでおり、（坂本真綾 さんのブランドという一貫性はありつつも）初期とは大きく異なります。近年の作品はアニメとのタイアップが多く、配信が流通した時代のため、単品で個性が強い楽曲が多いのに対し、初期作品４作品はすべて菅野よう子 プロデュースで、当時は配信も無いためアルバムベースでの作品となっており、このように様々な点で対称的です。
どの楽曲も単なるギター、ピアノ、ドラム、ボーカルの基本楽器で構成された楽曲ではなく、和声だったり、コードだったり、転調だったり、シンセの音色だったり、楽曲の構成だったりどれも「普通のJpop」に収まらない菅野よう子 節がよく分かる、素晴らしい楽曲がたくさんありますので、是非お聴きくださいませ。
※冒頭の数字はトラックナンバー です。
1stアルバム「グレープフルーツ」
5.「ポケットを空にして」
マンドリン が活躍する１曲。スカのリズムがありながらも、全体的にゆったりとしたビート（キックが１拍目だけにくる感じ）、右から聴こえる小物の打楽器、アーコディオン、タンバリンなどが使用されており、マンドリン のトレモロ 奏法も相乗効果で、楽器の小隊編成が面白い１曲です。それぞれが楽器を持ち寄って自然と音を奏でている姿まで想像出来てしまう、このサウンド 構成力が本当に凄い…。いい音楽を作るも物凄いことなのに、それだけでなく、曲からその音楽の姿、イメージまで聴者に呼び起こさせるそういう楽曲になっているのは、本当に天才的と表現せざるを得ないです。
５．青い瞳（ドリアン）
菅野よう子 作品を俯瞰したときに、この曲のような少女が一人で目を閉じながら祈りを捧げるように歌う姿が浮かび上がる楽曲は「Cloe」「VOICE」「時の調べ」「オムナ・マグニ」「アイモ」「 Early Bird 」など多数あり、モード（特にドリアンスケール）を使わせたら敵うものがいないのでは…というくらい菅野よう子 さんの武器のひとつであることがよく分かる楽曲です。
（個人的に「少女祈祷曲」シリーズと呼んでいます。それくらい多く菅野よう子 さんに特徴的）
8.「約束はいらない」
センスの時代の代表曲。低音でベースとして鳴り続けるピアノの使い方が奇抜だし、知らない間にめちゃくちゃ転調していたりと、当時から異彩を放っていたことがよく分かる楽曲。こんなに自然に転調してしまう（特にAメロ、Bメロといった節の中での転調）楽曲はそうそうないと思います…。（プラチナも相当するでしょう）サビがあまりにも美しくメッセージ性が強いので、何度も繰り返すという手法は他作品にも多いです。（落ちサビ、ラストサビ、更にサビと３回繰り返している）
2ndアルバム「DIVE」
２.「走る」
イントロの弦編曲から一瞬にしてキャッチーさとワクワク感がたまりません。イントロの長さも今ではちょっと考えがたいくらい長い（のも面白いです）。サビで一気に景色が変わる感じ、１番を基本、弦のみで構成し、ベースがない（入っても本当に少しだけ）という構成は彼女が大好きな手法です。サビに白玉で１音ずつ上昇するストリングスもあるある。スネアのクローズリムショット は前半から登場するものの、メインビートとして登場するのは２番のサビからという意外さ、この発想力が素晴らしい…。4:32～で一度落としてから4:47～のエンディングでひたすらストリングスがスケールで下降する動きと、白玉で１音ずつ上昇していく構成と、アウトロを作らず、フェードアウトで締めることで「走る」を表現しております。この構成力…天才的です。全体で5:34もあるのにこの構成力があることで、何一つ無駄なものはなく、必要な展開、構成になっているのが特徴です。とにかくこの曲は聴いてほしいイチオシです。
因みに、花澤香菜 さんの「マラソン」 という曲
はBPM =170、この「走る」はBPM =168とかなり近い。更に視野を広げてみると花物語 OP「the last day of my adolescence」
（作詞：meg rock 作編曲:ミト 歌唱：神原駿河 （CV:沢城みゆき ））のBPM は177。神原がスポーツ少女であることを考えればこの他と比較した時の高さも妙に納得がいく…。このBPM =170付近は、人間の「走る」という行為にピッタリのテンポなのかも…？非常に興味深いですねぇ。
3rdアルバム「ルーシー」アルカロイド 」4:09、「Life is good」4:13の３曲を除きすべて５分超えしており、「坂本真綾 ＆菅野よう子 の４部作の中では収録時間が59:17と一番長い作品です。菅野よう子 得意の楽曲の展開のされかたがよく分かるアルバムではないでしょうか。
1.Lucy印象派 を感じる。ゆったりで素朴なピアノと対称的にストリングスが艶やかに奏でられているのが美しい１曲。
2.マメシバ
ルーシーからのアタック感がしっかりあるギター鳴る、この流れが気持ちいい（この頃の曲はアルバムで聴く想定であることがよく分かる）。菅野よう子 らしさが詰まっている曲です。菅野よう子 のお得意の手法です。全体で6:07!こちらも構成力が光る１曲です。
3.ストロボの空
(※「ダイヤモンドクレバス」の方が後の作品です！)
4.アルカロイド
３連ベースでスキップしている感じなのは分かるとして、
5.紅茶
R＆B感もあるけども、ベースが頭でしか鳴らないという、大胆なリズムの空白が魅力だと思います。この手法はマクロスF の「射手座☆午後九時 Don't be late」にも通じます。
ベースなし(あるいは本当に部分的に必要なところしか鳴らない)が手法の１つとして使いこなしているのが凄いですね…。右でずっと鳴っているハープも８分を基本としつつも１６分でフィルイン 的に機能していたり、コード構成音の３or４を鳴らすのではなく、add9でバラけさせたり、その登場タイミングが巧(うま)すぎる…。左右でハイハット をバラけさせているのもスパイス的に機能していたり、どこを聴いても面白いです。
6.木登りと赤いスカート
ものすごくビートルズ 感ありません…？この頃からギターが低音単音で鳴らしていて、菅野よう子 らしさが垣間見える作品です。
7.Life is good
坂本真綾 ＆菅野よう子 では、一般のJpopに近いかなり分かりやすい作品と思いきや、音楽的にはBメロ頭をE/Dのオンコードで始めたり(雰囲気がガラリと変わる効果がある)、キメの「life is good」でBmのままでもいいのに、そこからCまで進むことで引っ掛けたりとただの１曲に収まらない小技も光る楽曲になってます。
4thアルバム「少年アリス 」
少なからずマクロスF のサウンド に繋がっているところがある思います。マクロスF のしか知らないという方はこの作品に触れ、サウンド の原点に触れてみてください。
3． スクラップ~別れの詩
筆者イチオシ。とにかくカッコいい。フィルイン が更に強烈な印象になるこの美しさ！（参考に「射手座☆午後九時 Don't be late」）他にも、ベースも2度の音程で動いていく感じが気持ちいい。
7． ヒーロー
このサウンド 感、広い意味で捉えたときに、のちのマクロスF 「サイレントでなんかいられない」「モノクローム 」「天使になっちゃった」にも繋がっているのかな、と。菅野よう子 サウンド のひとつの原型が垣間見える作品です。菅野よう子 作品の中でも3分を切る珍しく短めの曲。
8． 夜
モーダルの中で自由に動かす感じはアクエリオン (特にOP曲)にも通じるところが感じられます。Lucyの「マメシバ 」やDIVEの「走る」などにも見られるように、８分でベースが刻むのが(ただのベースの演奏ではなく)曲の核になっている作品が多く、初期のブームだったのかも知れません。
9 CALL TO ME
テンポが近く、英詩ということもありますが、サウンド 感が特に「gravity」に近い。もしこの曲が菅野作品のアニメで使用されるなら「WOLF'S RAIN」かな、なんて想像してしまいます。Dメロの展開はビートルズ っぽくもあり、やはり真綾作品はビートルズ 感があるな、と作品を通して聴いたときに認識したことです。
10． 光あれ
強烈なサビで始まるイントロが天才だと思います…(あり得ないくらい気持ちいい)。
11． ちびっこフォーク
コードのボイシング でぶつかる感じが非常に気持ちいい。ダイナミクス レンジがあるように聴こえるし、バラ弾きのタイム感の効果などもあって、ギターの魅力を最大限に引き出している素晴らしい曲。
12． park amsterdam (the whole story)
ビートルズ に感じるんですよね…。
14． おきてがみ
菅野よう子 作品を聴いていると、このピアノのサウンド だけで菅野よう子 サウンド だと分かります。コスモ石油 でおなじみの「Seeds of Life」マクロスF 「songbird 」のピアノと同じサウンド です。ストリングスもそうですが、菅野よう子 作品は楽器単体で聴いてもらしさがあるのも強みですね。
以上、坂本真綾 さんの初期４部作から観る菅野よう子 らしさでした。
・菅野楽曲史とJPOPとビートルズ の流れから考える坂本真綾 ポップスソング(rino 評)
アニメで提供する劇伴音楽より大衆的な意味でのポップス性が出ているため、人によってはこのラインの曲が好みという人も多いと思います。菅野プロデュースの中から生まれた曲で言うとを代表する一曲がプラチナは外せないでしょう。
そのほかにも
このともだちはギターが聴きどころ。メロディが歌主体でそれらの効果音的な側面を担っている。常にちょっとした音の付け足しが入ってきてその音がチョイスがいい。でありながらそれまではキーボードや笛が主体だったのが最後のアウトロー は締めに使うところが構成における妙だなと思います「大好きなともだち」までは色々な楽器がなっているので余計にスッと落ちる感じがこの曲の潔さみたいなものと繋がっている。あとこれは意識しているかどうかわからないがどことなくメロディがキャロルキングのYou've got a Friendを彷彿とさせている。
そのせい70年代の洋楽にありそうなポップス感がこの香りがどことなくする。
グレープフルーツより青い瞳
(remix版を貼ったのは坂本真綾 作品のアルバムに入ってるver.にしたかったからでそこに拘り的な意図なし ）
これは元はエスカフローネ の挿入歌。ハープ、打楽器、オーケストラ系の楽器でのみで紡がれる楽曲。歌は単調、しかしこの音楽での聴きどころはむしろ曲にライドするタイプ。そしてアウトロー である。最後の最後まで弦楽器が響いて終わる感じも素敵。アニメ挿入歌だから劇伴よりのポップスとも言えます。それがわかるのが1m50sからの弦楽器のメロディ。実際にどうかはさておき、中盤のあの感じはすごくドヴォルザーク 味がするのですが、それっぽい言及がないので私の思い違いでしょうか。潜在的 に出てる可能性はあると思う。あとこれは致し方ないことなんだけど鍵盤ハーモニカと弦を使われるとどうしてもニーノロ ータが(というよりイタリア風)ちらつく。少なくともこういう入れ方は普通のポップスではあまりしない。(というより入れる余地がない）
それでは次にアルバム作品について各トラックについてはλさんが書いてくださったので4枚のアルバムで線を書くように全体を俯瞰して考えてみる。
・ グレープフルーツ
グレープフルーツはデビュー作ということもあり、模索の面が感じられる。あと坂本の声がまだ17歳の未成熟なところもあって、全体的二曲に対してあどけなさが残っているそれが逆に混じりっ気のない、醇乎な歌声 として機能しています。全体的にアニメソングが好きな人には向かないタイプの曲が多いというのが流石菅野よう子 。そしてなによりも青い瞳などのお得意楽曲も含まれているため、語るには外せないアルバムではあります。
余談
λさんが少女祈祷曲と評した曲の中で挙げた作品群ではvoiceが個人的に好きなのですが、以前某番組でElements garden の上松氏がどこか異世界 の民謡的であり、ノスタルジー とコメントしていましたが、「祈祷曲を歌っている」少女というフレーズの方がわかりやすいなと思った次第です。
DIVE
さて、diveはどうか。これも良作ばかりなのだ。i.d. 走る、そして表題作にdiveこの三作品だけとっても素晴らしい。まず一番分かりやすいのでいくとI.D.これは多分皆さんもパッとくるでしょう。イマジンのイントロであると(ピアノの音もそれなりに加工してるし)
まぁなんだ。とりあえずイントロでこれを真似しとけばウケるだろっていう奴ですね。この手法で世界的にセールスを成したバンドで言うとオアシスがそうかな。まぁこのバンドは90年代における「The Beatles 」なんて呼ばれてますからね。
Don`t Look back in anger
(今年はこの曲が別の意味で流行りましたね。なにでとは敢えて書きませんが。)
ちょっと脱線しますけどイエス タデイという映画は「ビートルズ のいない世界線 」に売れないシンガーが飛ぶっていう側から見たら、なろうもびっくりなあらすじなのですが
当然なろうの9割を占める石みたいな作品群よりちゃんと考えられていて面白いのですが
(劇中にはコカコーラ、ハリーポッター もない世界なので見方のフレームワーク を広げた上で解釈するのであれば「既存の人気コンテンツがない世界」 に飛ばされて、そこにビートルズ も含まれていたと言うべきでしょうか。)
ともかく、その世界線 に飛んでから主人公が慌てて色々な検索ワードをかけるのですが、その時にオアシスは出てこないのです。他にも色々出てこない単語があるのですがちゃんとした意味で「ビートルズ 」なしに存在しないバンドという意味合いのもと意識的い出されていたのがoasis だったので鑑賞したときうなってしまいました。いやまぁ、その道に詳しい人からすれば当たり前だとは思うのですが。ちなみにローリングストーン ズは出てたのですが、こっちも危ういだろと突っ込んだのは私だけでしょうか。
そう言うネタもそうですが、単に一本の映画として面白いですしビートルズ が存在しない世界線 ダニー・ボイル 作品だとトレインスポッティング とかが有名です。
これもまた名作の一つなので押さえておきましょう。
脱線が過ぎたので戻ります。
なんというべきかDIVEは声優2作目にしてはコーラスやストリングスなどあり得ないくらい豪華だし、ベース・ドラム・ギターのプレイヤーはなんと外人どころかマスタリングがテッド・ジェンセン(Lucyにも関わってます)ですよ。Talking Heads やThe Rolling Stones などの大物アーティストの楽曲にも関わったことのある大物が関わっています。なので、決して声優アルバムだからと言って色眼鏡で馬鹿にはできない度でいうと本作は化物です。最高のポップスアルバムです。
以下リンクを押せばテッド・ジェンセンが手がけたディスコグラフィー が出ます。
こういう人たちが関わっているため名盤が生まれるのは必然といえばそうなんですが。
sterling-sound.com
本作での推し楽曲はやはり「走る」ですかね。なんかリズムラインにアーハのtake on meを感じられて
この方向性の曲を坂本真綾 が歌っているっていのは凄く合うなぁと。しかもイントロがあの弦楽器のメロディというところに痺れます。しかもだんだんと調和していつの間にかギターのポップメロディに落とし込んでいるというバランスの調合さがたまらないです。あと歌詞を橋渡しっていうのはここでも感じられます。
Lucy
挑戦作という意味ではLUCYであり、それが意外にも、いや必然的なのかもしれない。見事に楽曲の幅を広げた名盤になった。何といっても全力ハズレがないという奇跡のトラック群云々以上にやりたいことが明確に見える。ここら辺からビートルズ の匂いがし始めるのです。life is goodやアルカロイド なんかもろに。
アルカロイド
この曲の構造はThe Beatles のBeing for the Benefit of Mr. Kiteからの影響がまずある。
そういった菅野よう子 曲の変遷を一番肌身で感じられるのが本作。
同時にやはり時代の流れの影響も受けていて、それが顕著なのが「Tシャツ」。さて、2000年代初頭でこのイントロ特にピアノラインが全体を纏うこの感覚。そう、この曲の冒頭〜の構造やギターの鳴らし方は椎名林檎 のギブスそのものである。
（まさか2年連続でこの曲を貼ることになるとは思わなかったが、この曲は時代を超越するレベルの名曲だから真似したくなるし、そのくらい普遍性を獲得している)
亀田誠治 のアレンジの力を菅野よう子 がこういう形でポップスにするというのは非常に面白い点である。タイプの違う音楽プロデューサーではあるが、同時にやっぱり流行りの曲も当然意識していることが分かります。マストアルバムです。
少年アリス
驚きより熟した意味での完成度の意味合いなら本作が一番の傑作である.少年アリス は集大成の意味合いではそれ相応の楽曲群がある。それまでのアルバム群との対比で表現するとデビューは良盤程度にとどまっているのに対して、以降は全部名盤。それも毛色の違った。diveは坂本真綾 が菅野楽曲とのマッチング性、菅野よう子 の作曲家としての力量が明確に出ているのがlucy 。だから単純な曲のアプローチの面で考えるとLucyが坂本真綾 ×菅野よう子 作品としては最高傑作と言ってもいい。そしてこの2作を経て「少年アリス 」という作品という流れだからこそ光あれ、coll meoutなどを聴くとそれまでの作品と比べて歌唱の安定さが格段に違うし、尚且つ感動できるクオリティ以上の曲が収録されている。(もちろん菅野楽曲のクオリティが上がっていることも関係している)
なにより本作が2003年で、以降菅野楽曲の流れを考えると丁度バランスのいいポップス作品になっている。λさんがCALL TO MEでgravityとの類似性を挙げていたが、まさにそこで。のちの名曲のプロトタイプ(あるいは下地)を作ってしかもそれを23歳の坂本真綾 に歌わせた。そういった絶妙な軌跡が重なったアルバムである。
言い方は悪いが、40を超えた坂本真綾 が今、菅野楽曲を歌ってもこういう作品群の強度にはなり得ない。
そしてこのアルバム全体にちらつく色々な意味でのThe Beatles の音楽味(というよりもジョンレノン的な音楽のアプローチなのかなぁ）。また、λさんがビートルズ っぽいと言う感想だけ残したアルバム:少年アリス の収録楽曲のpark amsterdam (the whole story)は、それこそ後期ビートルズ 、とりわけsgt.やホワイトアルバム に代表される作品の影響を感じます。
こういう感じのタッチの曲や
あとこの曲で一番近いThe Beatles 作品でこの感じが出ているのはacross the universe
（一般的な音楽ファンには馴染みのない楽曲だと思いますが、これを持ってくる菅野よう子 のセンス!!）
ですね。とりわけ少年アリス の楽曲群は下降気味のギターや曲調がパッと変わる時の仕草等が全体的「ビートルズ やりたいだけ」という印象を受けます。もちろんこれは良い意味で功を奏しているからこそ今聴いてもまったく色褪せない楽曲群になっているわけで。その意味でビートルズ の構造を使いながら、菅野よう子 特有のコードの妙やセンスが煌めいている。しかし一方で、同じくビートルズ からのアプローチを邦楽に持ち込んだ小林武史 という邦楽の巨星プロ デューサーの作品を生み出すセンスには一歩及ばずと言った印象も感じる。つまるところSexy Sadieからグライドを生み出すほどのアプローチ力はない。
小林武史 の洋楽→邦楽の変換力は多分日本一で、スティングの使い方ですら菅野よう子 が凡になってしまうほどなのだ。だから比べてしまうのがこの場合おこがましいのですけど。
sting よりEnglish man in new york
VIDEO www.youtube.com
( そしてタイトルがビートルズ からの引用でもあるっていう料理が上手い小林御大)
まぁ比較ははさておき、とにかく上には上がいるがそれでもビートルズ を咀嚼して、再解釈した作品としては秀逸な作品であることには違いない。
ではこれらの事を踏まえると何が見えてくるか、菅野よう子 楽曲の素晴らしさはコード、展開などに魅力的なのは勿論密接に関係しているが、それ以上にそれまでに出てきた映画の劇伴(坂本龍一 からヴァンゲリス 、lunatic calm ,イエス 等)や多角的な方向での洋楽の多様さなどを丁寧になぞった上で日本のポップスに置き換える(とにかくアプローチとインプットの幅を広げ続け、咀嚼して自己流に整える)ことによる意外性や不意を打たれた感覚がするのである。じゃあ誰もがそれをこなせるかと言ったら別問題で、詰まるところ菅野よう子 の最大の才能は既存曲の構造を忠実に再現することなのである(全てがこれに該当するわけではないが)。それなのに「菅野楽曲」として聴けてしまうところが氏の「凄さ」なのだと思う。
さて、おすすめ楽曲+菅野よう子 論を語ったところで「じゃあ何聴けばいいんだよ？」「色々なアルバム曲から引っ張ってるけど、全部聴く時間ない」「結局どのアルバムがいいの？」「菅野よう子 入門はなんですか？」など色々な方がいると思うので、総合的に考えた名盤をここで発表したいと思います。
λさん選出名盤5枚
1.劇場版マクロスF サヨナラノツバサ netabare album the end of triangle
マクロスF の曲はどれも大好きなのですが、今回はこちらのアルバムをセレクトしました。初心者向けで１枚ということであれば、VOCAL COLLECTION 娘たま♀
が選ばれやすいのですが、このアルバムも最高の１枚です。
特にボーカル曲をピックアップし、ご紹介したいと思います。
１曲目、「禁断のエリクシア」
強烈なイントロ。マクロスF でも最高峰にセクシーな楽曲です。化学的、サイケデリック 感でありシェリ ルの蠱惑的で妖艶な様がシンセで見事に表現されています。モーダルなAメロから始まり、転調する後半。サビに4分で半音で動き続けるシンセがこれまた怪しい。サビの後半にストリングスのホールトーンも加勢し、とても盛り上がります。佐野康夫 さんの阿修羅のように炸裂するドラムは本当に聞いていて気持ちよく、まさしく「浴びるドラム」です。一般的なJPOPでは８ビートなど基本のビートがあり、どうしても単調になりがちですが、佐野さんのドラムは毎回ところどころ変化があり、この微妙な変化やフィルイン がとてもハイセンスです。アップテンポなこともあり特にドラムが光る曲ではないでしょうか。2:04~の一瞬止まるフレーズ、2:15~のハイハット とキックの裏2発からのクラッシュシンバルもクール。3:13~の静寂からのフィルイン が炸裂すると思いきや、3:15~で一瞬空白が作られており、この数秒も最高にクールです。そして続くドラムソロは3拍と2拍が混在しており、まさに化学反応が起こっていることをビートで表現されているように聴こえます。ハイハット のアクセントがカッコよく、楽曲の温度は更にヒートアップします。この楽曲が当初8分でタイトに刻まれていたのに対し、最後に16分で刻まれることで盛り上がりと構成美が演出されています。他にも、1番のAメロからモーダルに暴れるベースやBメロの右へ振り切られていくシンセのパン、2番Aメロでベースがほぼ抜けてしまうのも空虚感が醸し出します。4:00~ではギターのピッキング スクラッチ が左右でリバーブ されていたりと、エフェクトも一層この楽曲を盛り上げている点も聞き逃がせません。
３曲目「虹いろ・クマクマ」
ハイファイサウンド の行進ビートから始まり、なんといってもランカの「リラメルララメルランルララン」の呪文のワクワク感がたまりません。6/8拍子は面白いリズムが作成しやすいことが特徴の一つですが、Bメロの「何を」「怖れ」でリズムを提示しつつ「何を」「隠し」で倍の速度で加速してから、「胸の鍵」の（「のかぎ」の箇所で）6/8の付点4分音符の4つ割りのリズムが本当に天才的だと思います。音の高低だけでなく、リズムの伸縮性と緩急により、このサビに向かうBメロのフレーズは最高に光る楽曲ではないでしょうか。この曲を聴けば、いつだって雄大 に広がる空に向かって両手を広げているランカが浮かび上がります。イントロで鳴っていた「ド＃ララミララ」がサビの決めの「乙女心勇気出して」にも転用されており、この曲のキーになっているのも構成美のひとつでしょう。3:34～Dメロのピアノにも使用されており、「リラメルララメルランルララン」の言葉としての呪文とは対称的に、この６音が「音としての呪文」になっていると思います。このフレーズは最後のアウトロにも使用されていますから、特に重要なファクターになっています。全音 符で流れるストリングスも加わり、音楽が幸せに満ちている、明るい未来を感じさせる、そんな１曲です。
４曲目「恋はドッグファイト （FIRST LIVE inアトランティス ドーム）」
マクロスF はクールな曲や可愛らしい曲だけなく、このようにちょっと変わり種の楽曲も多数あります。ランカの歌い方も、ライオンなどの曲よりもポップな声色で歌われているのも聴きどころだと思います。電波的なエフェクトや発射音なども多様されており、面白い楽曲になっています。
星間飛行 (LIVE inアルカトラズ)」
観衆の声が入っていたり、ランカの掛け声が入っていたりと、アニメ後期OPよりも盛り上がりに富んだアレンジになっています。構成的にもギターの音の動きがよく分かるアレンジになっており、ユニゾン したりと正しくライブらしい演出になっています（一方でストリングスが控えめ）。そして、後半は転調するアレンジもこの曲ならでは。最後のドラムフィルイン なんて正しくライブバージョンらしいです。
単純に星間飛行 をLIVEバージョンにするのではなく、アレンジを通して更に面白いものにしている点が、菅野よう子 のスーパーなアレンジ力のひとつだと思います。
７曲目「Get it on~光速クライmax」
BPM =205のハイテンポビートは、まさしく光速を体現しております。菅野よう子 の魅力である構成力に繋がるところであります。また、この曲はマクロスF 曲の中でもハーモニーが通常の楽曲のハーモニーより強めに出ており、このトップボーカルに負けることなく遠慮しないハーモニーが同時に力強く鳴っているところが耳にとても心地よい楽曲です。サビのB♭から動く「E♭9」で、ちゃんとテンションが用いられている点が、抜け目のないというか、どこを聴いても美しいなと思います。内声の「レ→レ♭→ド」の動きも美しい。よく聴くとBPM =205の16分でシンセが高速で小刻みに鳴っているところも面白いです。止まることを知らずに動き続けるベースも魅力的。1:23~で無線の会話やエンジン音も一瞬あったりとエフェクトにも富んだ作品で、2分音符でスケール的に鳴る高音シンセも歌詞にある星を表現しているようで、どこまでも見事な楽曲だなぁ、と感服するばかりです。
10曲目「放課後オーバーフロー」
マイナーから始まるイントロとその後のメジャーとの対比が美しい楽曲です。Bメロの特徴的なリズムや、3:16~８分音符のアクセントとそれと絡み呼応するドラムソロも聴きどころです。リハモや2番Bメロで「君を」のリズムのパターンが変化する点など、飽きさせない工夫もされています。マクロスF でもそれはもう非常によく使われている手法で、この曲も違わず使用されている点も、マクロスF の楽曲の１つであることを示しています。
12曲目「娘々FINAL ATTACK フロンティア グレイテスト☆ヒッツ！ ノーザンクロス ～虹いろ・クマクマ～ライオン～ユニバーサルバニー～オベリスク ～愛・おぼえていますか 」
名の通り、長さ、構成力ともに最強の楽曲の１つです。
ストリングスを基調とした「ノーザンクロス 」に始まり、名曲が続々展開されていきます。続く「虹色・クマクマ」ではシェリ ルも加わっています。愛・おぼえていますか 」のフレーズは聞き逃がせません。オベリスク 」は「劇場版 マクロスF ~イツワリノウタヒメ ~ ユニバーサル・バニー」に収録されている代表楽曲でアルバムを越えてこちらでもそのアレンジver.を聴くことが出来ます。メドレーですが、アレンジにも富んだ、菅野よう子 のストーリー構成力が光る１曲です。
スペシャ ルサービスメドレー(特盛)」もあります（構成は大きく異なります）。物足りない方はそちらも是非。
13曲目「サヨナラノツバサ 」~the end of triangle~
難易度最高ランクの楽曲。映画の代表曲ポジションです。プログレ ッシブなBメロのミニマルなリズム、サビの単純な8ビートではなく、部分的に8分が後ろに移動しているビートも最高にクールです。全体的に、フラムが多様され、スネアもハイピッチ、特にタムも他の楽曲よりハイピッチまで聴こえるのがこの楽曲の躍動感にも繋がっています。ドラムの推しポイントとしては、4:08～のドラム16分の最高にクールなフィルイン は必聴です。4:55～からは「放課後オーバーフロウ」のDメロを絡めています。このような、「他楽曲のモチーフの援用」はマクロスF で非常に多様されている手法です。
14曲目
激しい楽曲が多い本アルバムの中で、癒やしになる「ホシキラ」。
15曲目「dシュディスタb」
イチオシの楽曲です。多幸感に溢れる本当に本当に最高の1曲です。
7曲目「Get it on~光速クライmax」
でも挙げたように、積極的に観客の歓声を使用することで、ライブ感を自然とリスナーに溶け込ませている点がマクロスF の楽曲の素晴らしさの一つです。特にこの曲は3:58~に入るシェリ ルとセリフが特徴です。そしてなんと言っても、この曲を語るに欠かせないポイントのひとつは、4:35~の最後のラスサビだけコードがB→D♯7になるところです。それまではB→Baugであったことに対する、この対比が本当に美しい！このコードが鳴ることで「ラスサビ感」が、今で言う「エモさ」が一瞬でパッと現れる技はまさに天才だと思います。
17曲目「ダイアモンド クレバス ～ thank you , Frontier」
重厚なストリングスで奏でられるダイヤモンドクレバスです。マクロスF のアルバムと言えば、「VOCAL COLLECTION 娘たま♀」
は王道of王道ですが、この「劇場版マクロスF サヨナラノツバサ netabare album the end of triangle」も本当に名曲揃いで、洗練された下世話の時代を最高に楽しめますので、是非ご試聴ください！！
２.Napple Tale 妖精図鑑(itunes でリンクがなかったのでamazon リンクです）
ドリームキャスト 用ゲーム『Napple Tale』のサウンド トラックなのですが、坂本真綾 さんが好きで「しっぽのうた」は知っているという方は、それが主題歌にもなっている是このサントラも是非聴いていただきたいです。
楽曲のおすすめは、木管 を基調にした「Chocolate forest」、マーチでコミカルな「Jumping Cracker」、コミカルなピアノが面白い「たのしいさんすう 」の３曲です。「Jumping Cracker」クシコス・ポストを彷彿とさせますし、「 Skipper」は「ゴリウォーグのケークウォーク」をとてもうまく利用していると思います。このアルバムと対を為す「Napple Tale 怪獣図鑑 」もおすすめです。
3.アニメ「坂道のアポロン 」オリジナル・サウンド トラック
前身を
![天虎〜虎の女 (TVサイズ)[テーマ音楽]](https://cdn.image.st-hatena.com/image/scale/a2cfd44ce72399043abb0591108d9d86e7b5ea7f/enlarge=0;height=200;version=1;width=200/https%3A%2F%2Fis3-ssl.mzstatic.com%2Fimage%2Fthumb%2FMusic114%2Fv4%2F8a%2Fb3%2Fbc%2F8ab3bce5-9420-f006-36f8-3105801d99b8%2Fsource%2F100x100bb.jpg "天虎〜虎の女 (TVサイズ)[テーマ音楽]")
